Пьер Боннар
Вып. 177
«Директ-Медиа»
Москва, 2024
Жизнь и творчество
Пьер Боннар родился 3 октября 1867 года в Фонтен-о-Роз, буржуазном пригороде Парижа. Отец художника, Эжен Боннар, был главой департамента в военном министерстве. Мать Элиз Мертцдорф происходила из знатного, но разорившегося рода.

Образованию будущего живописца уделялось много внимания. Родитель видел в сыне юриста. И, хотя молодой Пьер не испытывал особой тяги к юриспруденции, он поступил на соответствующий факультет в Сорбонне. Боннар говорил: «Меня больше всего привлекала не живопись сама по себе, а предоставляемая ею возможность вести свободный образ жизни и делать все, что захочется». Поэтому, не прерывая занятий в Сорбонне, Пьер Боннар в 1887 году стал посещать курсы рисунка в Академии Жулиана, где познакомился с другими молодыми художниками: Полем Серюзье, Морисом Дени, Эдуаром Вюйаром, Полем Рансоном.

В 1888 году они основали творческую группу «Наби» (с древнеевр. — «Пророки»). Идеи группы вполне соответствовали эстетике модерна, также ее члены испытали большое влияние творчества Поля Гогена и японской гравюры — за любовь к ней Боннар даже получил среди «пророков» прозвище Японец.
Морис Дени так сформулировал идеи нового объединения: «Любая картина, будь то изображение боевого коня или обнаженной женщины, есть не что иное, как плоская поверхность, покрытая подобранными в определенном порядке красками».

Художники заявляли о своем праве заниматься декоративным искусством, не стремящимся к отображению реальности. Сознательно отказываясь от идеи привлечь зрителя сюжетом картины, они хотели выразить в ней чувство через форму и оперировать большими плоскостями чистого цвета.

В начале своей творческой деятельности Пьер Боннар получил известность благодаря графике. Первый же рекламный плакат, заказанный ему фирмой «Франс-Шампань» и расклеенный на стенах зданий Парижа в марте 1891 года, очень понравился горожанам. Он не оставил равнодушным самого Анри де Тулуз-Лотрека и Феликса Фенеона (знаменитого арт-критика). Этот успех заставил Эжена Боннара по-новому взглянуть на увлечение сына. Пьер наконец-то обрел долгожданную «свободную жизнь» и с легким сердцем забыл о юриспруденции.

С 1891 года Боннар с Дени снимали мастерскую в окрестностях площади Пигаль.
Боннар изображает многочисленные сцены из повседневной жизни Парижа и в то же время иллюстрирует книги (часто по просьбе известного арт-дилера Амбруаза Воллара), выполняет театральные декорации, эскизы предметов интерьера.

Судьбоносным для художника стал 1893 год — он встретился с Мартой де Мелиньи, девушкой из рабочей среды и со странным поведением. (Ее настоящие возраст и имя Боннар с удивлением узнает лишь через тридцать два года, когда решит вступить со своей подругой в законный брак.) В Марте художник обрел не только любовь, но и модель, с которой мог свободно, безо всякого стеснения писать обнаженную натуру. Именно Марта изображена в целой серии полотен ню, созданной мастером на рубеже веков.
ЦИТАТА
Боннар писал с натуры крайне редко. Он не однажды признавался, что у него недостаточно сил для этого. «Я слишком слаб, — говорил он, — и мне трудно подолгу писать с натуры. Пожалуй, на такое был способен только великий Тициан»
Дела Боннара шли успешно, его работы нравились критикам. В 1896 году в парижской галерее «Дюран-Рюэль» была организована его первая персональная выставка (пейзажи, жанровые картины, изображавшие повседневную жизнь Парижа и его предместий), а с 1906 года его произведения экспонировались в галерее «Бернхейм-Жён».

После 1900 года Боннар все больше времени проводит вместе с Мартой за пределами столицы, в небольших городках, разбросанных по долине Сены. Художник сделал явный шаг назад, к импрессионизму, с головой окунувшись в работу над пейзажами Северной Франции. Помимо пейзажей он занимался портретной живописью. Зимой он трудился в новой мастерской на улице Дуэ на Монмартре.

1917

Пьер Боннар в собственной мастерской в Ле-Канне
Фотография Д. Беллон. 1941 г.
В 1905 году вместе с Эдуаром Вюйаром отправился в поездку по Испании, после чего последовали путешествия в Бельгию, Голландию, Англию, Италию, Алжир, Тунис и по Южной Франции.

В 1910-е годы Боннар плодотворно оформлял интерьеры. Из его декоративных творений наиболее известны панно в доме Мизии Годебской (Натансон-Эдвардс-Серт) в Париже (1910) и триптих «У Средиземного моря» для особняка Ивана Абрамовича Морозова в Москве (1911).

Стремясь сохранить плоскость стены, Боннар не всегда следует законам прямой перспективы: он обобщает формы, реальные предметы и фигуры превращаются подчас в декоративные арабески, объемы — в цветовые пятна, а сами панно уподобляются красочным гобеленам.

В 1912 году Боннар купил загородный дом в Верноне, где впоследствии написал свои многочисленные «Террасы» и «Интерьеры».
К 1920-м годам Боннар был признан одним из ведущих французских художников своей эпохи, арт-дилеры наперебой старались заполучить его полотна. Все чаще проводились выставки его работ, появлялись монографии, посвященные его творчеству. В 1924 году парижская галерея «Друэ» устроила первую ретроспективную выставку картин художника.

Произведения Боннара стали продаваться за пределами Франции, а в 1926 году его в качестве члена жюри премии Карнеги пригласили в Соединенные Штаты Америки.
В те времена, несмотря даже на солидный возраст, у Боннара случались любовные романы, которые заставляли Марту болезненно ревновать. В результате даже с друзьями ему приходилось встречаться втайне от жены.

В 1926 году художник купил скромный дом в Ле-Канне на юге Франции, где и прошли последние годы жизни супругов.

Несмотря на то что Боннар любил интенсивное солнце юга, свет севера он считал более интересным для работы. Поэтому в 1934 году мастер отправился к проливу Ла-Манш, потом побывал в Довиле и Трувиле в Нормандии.

В 1920—1930-х годах художник вел дневник, куда вносил быстрые зарисовки всего, что привлекало его внимание. Основываясь на них, Боннар создавал в мастерской свои произведения. Иногда они воплощались на холсте сразу, а порой проходили долгие годы, прежде чем мимолетный образ становился картиной.
Писал Боннар очень медленно и часто одновременно работал над несколькими полотнами.

В конце 1930−1940-х годов художник почти безвыездно жил в своем маленьком домике «Ле-Боске» в Ле-Канне. В годы Второй мировой войны мастер потерял многих дорогих ему людей: в 1940 году умер его друг Эдуар Вюйар, 26 января 1942 года скончалась Марта, в 1943-м — Морис Дени. Переписка с Анри Матиссом, жившим неподалеку, в Ницце, стала единственной радостью в эти трудные для Боннара времена.

В последний раз Боннар посетил Париж в 1945 году, когда там проходила ретроспективная выставка его работ. Он никогда не искал званий и почестей, и, хотя цены на его картины были очень высокими, ему это не слишком нравилось. Художник говорил своим друзьям: «Все эти нули меня раздражают».

Пьер Боннар умер 23 января 1947 года в своем доме «Ле-Боске», не дожив совсем немного до восьмидесятилетия. В том же году в парижском музее Оранжери была организована большая ретроспективная экспозиция произведений Боннара — одного из самых выдающихся колористов XX века.

Пьер Боннар
Фотография А. Натансона. 1892 г.
Первые успехи в Париже

Около 1892
Раннее творчество Пьера Боннара отмечено влиянием стиля модерн. Художник мыслил свои полотна как декоративные панно: «Портрет Андре Боннар с собаками», «Сидящая женщина с кошкой», «Женщины с собакой», «Клетчатая блуза».

Лучше всего стиль мастера того времени описал наш соотечественник, художник и арт-критик Александр Николаевич Бенуа: «Боннар в те годы (1897−1899) был долговязым, тощим, темноволосым и темнобородым молодым человеком, типичным парижским студентом… Однако в чисто красочном смысле Франция конца XIX века не создала, пожалуй, художника, равного Боннару». И особенность его таланта, по мнению Бенуа, в том, что «чудодейственный глаз Боннара открывает и в самых обыденных вещах изумительные сокровища цветистости. Говоря о нем, нельзя обойтись без сравнения его живописи с музыкой. Краски Боннара действительно поют, звенят, сливаются в совершенно своеобразные аккорды…»

Но Боннар не боялся и экспериментов: в 1890—1900-е годы в его палитре можно встретить и достаточно много темных тонов, например в картинах «Улица зимой», «В ложе», «Обед». Много работая с литографией («Ребенок с лампой»), он часто заимствует ее особенную композицию и ограниченное количество цветов («Интимность», «На катке»).

Переломным в творчестве художника стал 1908 год.
Продолжая писать обнаженную натуру, Боннар уходит от натурализма картин типа «Мужчина и женщина», находит новый характер освещения, все больше приближается к импрессионистам, постепенно оставляя стилистку модерна («Обнаженная против света»). Моделью для многочисленных ню выступает его спутница жизни — Марта.
ЦИТАТА
«Меня притягивало не столько искусство, сколько жизнь художника со всей его — как я думал — фантазией, личной свободой. Я хотел любой ценой избежать монотонной жизни»
Портрет Андре Боннар с собаками
1890
В первые годы своего творчества Боннар не уделял достаточно внимания живописи. В сфере его интересов были плакаты и декоративные панно в стиле модерн. В этом стиле он и написал портрет своей сестры Андре Боннар. Художник выбрал удлиненный вертикальный формат полотна, который позволил ему создать динамичную композицию. Автор изобразил юную девушку, спускающуюся с холма, рядом с ней бегут ее домашние любимцы; собака на первом плане как будто готова выпрыгнуть из картины. Ветер колышет деревья и травы, им вторит развевающаяся ярко-красная юбка Андре. Чтобы зритель лучше почувствовал движение, композиция дана фрагментарно (часть туловища другой собаки не видна за рамой). Для этой же цели композиция сдвинута от центра картины.

На многих картинах Пьера Боннара присутствуют кошки и собаки, которых художник любил с детства. В поместье его матери «Кло» в Дофине была ферма, где мальчик наблюдал за курами, кроликами, козами, а также за жизнью домашних питомцев, гуляющих и играющих в фруктовом саду.

Обычно в его работах животные — второстепенные персонажи. Например, любопытная кошка в произведении «Клетчатая блуза» (1892) помогает автору полнее раскрыть образ женщины и одновременно усилить декоративное звучание картины, то есть домашний питомец призван «довершить впечатление». Но иногда художник писал забавные сценки, где действующими лицами были только животные. Примером может служить прелестная работа «Два пуделя». На самом деле пудель — один. Просто Боннар «собрал» картину из двух набросков, сделанных им со своего пса. Так пудель «раздвоился» и превратился в двух весело играющих собак.

Около 1890

Работа «Женщины с собакой» относится к периоду невероятной увлеченности Боннара стилем модерн, для которого характерны яркая орнаментальность, стилизация и изогнутость линий.

На представленной картине художник снова пишет свою сестру, но на этот раз вместе с их кузиной Бертой.

Изображение лишено глубины, все элементы произведения получают декоративную роль, а бело-синее клетчатое платье Андре (она очень любила одежду в клетку, ее платья из шотландки, иногда синей, иногда красной, задавали параметры цветового решения всей композиции) написано плоско, без какой-либо светотеневой моделировки.

Боннар настаивал на том, что зритель должен видеть работу глазами автора.

Взгляд сверху, приближенный ракурс, который «вводит» наблюдателя в интимное пространство картины, — только один (и самый очевидный) из способов, помогающих добиться слияния взглядов зрителя и художника.

Сидящая женщина с кошкой
1891
К числу работ, в которых декоративный элемент выходит на первый план, относится «Сидящая женщина с кошкой» из французского музея д’Орсе. Это полотно входило в серию «Женщины в саду». Четыре панно первоначально должны были украшать ширму на Салоне Независимых в 1891 году. Однако Боннар решил выставить их отдельно под общим названием «Декоративное панно». Художник объяснял: «Я завез в воскресенье мои полотна на выставку (…). Ширма уничтожена. Я сделал из нее четыре отдельные картины. Они намного лучше выглядят на стене. Они были слишком картинами, чтобы быть ширмой». Кроме очевидной декоративности весь цикл свидетельствует об интересе Боннара к японской эстетике: стилизована даже подпись автора. Подобно японским художникам, Боннар отвергает глубину, светотень и полутона. Его персонажи — это плоские силуэты, наложенные на плоский фон. Взгляд скользит по вьющимся линиям, которые образуют силуэты и ритмизируют каждое произведение.
ФАКТ
Боннар неоднократно сотрудничал с театрами. Для театра «Творчество» он вместе с Полем Серюзье оформил спектакль по пьесе «Король Юбю» Альфреда Жарри. А для театра марионеток, который организовал муж сестры Боннара, композитор Клод Террасе, художник часто раскрашивал и конструировал марионеток
Клетчатая блуза
1892
Моделью для этой ранней работы послужила сестра Боннара Андре. Формат и выбор сюжета обнаруживают связь произведения с японской графикой (неслучайно в группе «Наби» Боннара называли Японцем). «Клетчатую блузу» трудно назвать портретом в традиционном понимании этого слова. Образ Андре становится здесь собирательным образом женщины из буржуазного общества. Художник был больше увлечен игрой красно-белой мозаичной плоскости блузки с сильно стилизованной черно-белой кошкой, изящно свесившей лапку. Заметно желание Боннара тщательно передавать узоры женского платья. Во многом это связано с негласным соревнованием с коллегой — Эдуаром Вюйаром. Мать Вюйара была портнихой, и сын-художник виртуозно писал дамские платья и костюмы.

Пьер Боннар, как и его коллеги Эдуар Вюйар и Феликс Валлотон, любил изображать сцены в интерьерах. Мало кто может сравниться с ним в передаче теплой, интимной атмосферы домов, которые он чаще всего пишет в виде «шкатулки» для живущих в них людей. Модели Боннара часто неотделимы от окружения, в котором находятся. На картине «Интимность» художник запечатлел сестру Андре и ее мужа Клода Террассе. Клод Террасе познакомился с Боннаром еще до женитьбы на его сестре, он был одаренным музыкантом: преподавал игру на фортепиано и выступал как композитор. Боннар проиллюстрировал многие его музыкальные произведения.

На квадратном полотне идущие друг за другом планы сливаются в единое целое. На переднем плане видна рука — возможно, самого художника, — держащая трубку. Далее в тени стоит Андре; темное пятно ее тела сильно контрастирует с ярко освещенной фигурой мужа, находящегося немного сзади. Стиль этой картины выдержан в стилистике модерна.
Боннар интерпретирует обыденную сцену в собственной оригинальной манере. Стремясь к декоративности, он идентично (с точки зрения живописи) трактует людей и их окружение, благодаря чему герои кажутся частью интерьера.

В начале 1890-х годов Боннар начал писать серию небольших картин, в которой запечатлевал сценки, увиденные им в Париже. Случайная встреча школьника, который тащит ранец, и старухи, что прячет руки в меховую муфту, вызвала такой восторг у автора, что он создал множество подготовительных набросков. Боннар анализирует каждый аспект встречи: так, он противопоставляет монолитный облик женщины в дорогом пальто и тощего мальчика в странных больших сапогах. Художник сравнивает эту встречу с противостоянием двух пуделей. Но кому принадлежат эти собаки? Конечно, один из них — любимец старухи, а другой сбежал от буржуазной пары, идущей позади нее. Вскоре, когда мальчик исчезнет из поля зрения, собаки проявят друг к другу закономерный интерес, чем вызовут конфуз у их хозяев.
А кто те мужчины, чьи спины закрывают почти половину композиции? Если присмотреться, то можно увидеть, что эти двое стоят перед ярко накрашенными женщинами, что указывает на их определенный род занятий. Таким образом, тайная постыдная сделка совершается как бы в тени, в то время как более естественные взаимодействия в правой части картины происходят при свете дня.

Ребенок ест вишни
1895
Работа с графическими произведениями повлияла и на живописные опыты Боннара. К середине 1890-х годов на первый план выходят не декоративные мотивы, а психологические нюансы. Такова картина «Ребенок ест вишни», где изображены женщина и ребенок за столом. (Эту же композицию Боннар использовал годом ранее в работе «Бабушка с ребенком».) Мы почти не можем различить лицо женщины, хотя она и изображена в профиль на первом плане. Однако мы чувствуем, что она улыбается, глядя на своего внука (или внучку), улыбается и малыш, заглядевшись на спелую вишенку. Художник не забывал заветы Гогена, что картина — это плоскость, и надо думать о распределении линий. Боннар тщательно продумал композицию, появились «незаполненные» места на столе, а вертикальная светлая стена придала полотну простор и легкость.

На катке
1896–1898 гг.
В конце 1890-х годов во многих живописных работах Пьера Боннара чувствуется заметное влияние литографии: ограниченное количество цветов, отсюда и скупая гамма красок — противопоставление темных и светлых тонов. На этом контрасте построена картина «На катке». Изображая на первом плане катающуюся на льду пару, художник явно играет с формами платья женщины. Причудливые линии женских костюмов и шляпы взяты из действительности, их также можно увидеть, к примеру, на полотне «Уличная сценка» (1900). Боннар не любил писать с натуры, даже свои наблюдения за жизнью парижан он превращал в полноценные картины уже позднее, по памяти, в мастерской.

В 1890-е годы Боннар стал широко известен как театральный художник, автор эскизов мебели и рисунков ковров в стиле модерн. Более всего он любил изображать повседневную жизнь, окутанную мягкой человечной атмосферой, благодаря чему заслужил в истории искусств прозвище Интимист. На эту тему создана ширма «Прогулка нянек». Женщины показаны несколько шаржированно, в силуэтах, особенно на первом плане, преобладают изогнутые, извилистые линии, типичные для стилистики модерна. Однообразие фигур разбивается различным узором накидок и капоров нянек. Голубые и коричневые тона их одежд повторяются в матросских воротничках и на костюмчиках детей. Играя на силуэтных пятнах, Боннар оставляет большое незаполненное пространство (прием, характерный для японского искусства). Композиция, сдвинутая от центра, производит впечатление случайного фрагмента, выхваченного из действительности.
Организуют пространство фриз из фиакров, находящихся в верхней части картины, и обручи, которые катят дети, переходя из одной панели ширмы в другую. Они соединяют всю композицию, не давая ей распасться. Предполагается, что местом действия художник избрал сад Тюильри в Париже, недалеко от площади Конкорд. Сады были расширены в 1889 году и в путеводителе «Бедекер» описаны как «наиболее популярное место прогулок и просто райское место для нянек и детей». Интересно, что на левой створке ширмы, рядом с группой из трех нянек, Боннар слегка наметил вход на станцию метро, декорированный Гектором Гимаром и ставший одним из знаковых произведений французского модерна. Вообще модерн в произведениях прикладного искусства оставался у Боннара ведущим стилем дольше, чем в станковых работах. Известна литография Боннара с тем же мотивом, изданная в 1899 году.

Хотя у Пьера Боннара и его жены Марты никогда не было собственных детей, но их изображения постоянно встречаются на рисунках и картинах художника. Часто это ребятишки его сестры Андре. Возможно, набросок с одного из их малышей и лег в основу литографии «Ребенок с лампой». Литографий и картин с изображением сцен домашней жизни у Боннара немало, это множество вариаций на тему круглого стола и керосиновой лампы. «Ребенок с лампой», «Ребенок у стола» (1896), «Ребенок и бабушка» (1897), «Круглый стол» (1898) и другие обыгрывают один пластический мотив: круглый стол как символ уюта домашнего очага. Из полутьмы выступает лицо ребенка, его обволакивает знакомый с детства мягкий и таинственный свет керосиновой лампы. Никаких контрастных электрических теней — только уютный рассеянный свет, который как будто навевает художнику воспоминания о родительском доме.
ФАКТ
Мастер писал картины очень медленно, часто работая над несколькими полотнами сразу
В родительском доме Боннаров главой была мадам Мертцдорф, бабушка художника по материнской линии. Ее роль отражала консервативную традицию большой провинциальной семьи, где представители старшего поколения, независимо от пола, имели решающий во всех вопросах голос. Несмотря на то что родители Пьера Боннара относились уже к столичным жителям, они также продолжали соблюдать обычай собраний всей семьи на выходные в загородном доме и проводили семейные обеды по праздникам. Традиционный уклад дома оставил очень яркие впечатления у будущего художника, поскольку он провел все школьные годы в закрытых учреждениях. В 1890-е годы он написал серию различных «Обедов» и «Семейных сценок». Интересно, что в это время Боннар часто использовал черный цвет, полностью изгнанный из палитры художника в последующие годы.

1899
Возможно, сказалось увлечение литографией и влияние работ Густава Кайботта 1870-х годов, у которого можно заметить ту же интимную, сумрачную атмосферу, что и в картинах Боннара.
ЦИТАТА
Боннар часто иллюстрировал книги. Огюст Ренуар высоко ценил его мастерство в этой области и говорил юноше: «У вас есть свой шарм, очарование, не пренебрегайте этим»
Работы Боннара высоко ценились уже при жизни: они нравились зрителям, а арткритики давали на них положительные рецензии. Но Боннар никогда не стремился шокировать публику и не жаждал популярности. Он жил достаточно закрыто в узком семейном кругу, изредка навещая друзей-художников. Его живопись — сочная и яркая, но требующая вдумчивого и сосредоточенного рассматривания. В картине «Маленькое кафе» проявилось влияние импрессионистов. Тема посиделок городских жителей в барах и кафе оказалась близка и интересна Боннару, и он с большой теплотой передает свои ощущения и наблюдения. Однако автор не стремится раскрыть внутренний мир персонажей и почти не делает акценты на деталях. По сути это и не нужно, ведь перед нами бытовая зарисовка: в маленьком заведении молодая барышня не торопясь пьет свой кофе, перед мужчиной на столе стоит кружка с пивом.
Их история неважна художнику — главное, передать ту атмосферу уюта и спокойствия, что окружает их.
ЦИТАТА
Боннар утверждал: «Наш Бог — это свет, когда-нибудь вы поймете, что это значит»
Мужчина и женщина
1900
Изображения обнаженной натуры впервые появляются в творчестве Пьера Боннара в начале XX века. Эти картины определяют переход художника от декоративности ранних работ к значительно более реалистическому стилю. Скорее всего, произведение «Мужчина и женщина» автобиографично: Боннар пишет себя и свою возлюбленную Марту. Это единственная картина, на которой художник показывает наготу мужского тела. Нет никаких сомнений по поводу характера встречи героев. В тени за ширмой мужчина начинает одеваться, в то время как освещенная мерцающим светом женщина сидит на смятой постели и играет с котятами. Персонажи находятся по разные стороны раскрытой массивной ширмы, которая делит полотно на две независимые части: темную и светлую, мужскую и женскую. Некоторые искусствоведы утверждают: художник таким образом хотел показать, что невозможно достичь взаимопонимания между полами.

Наряду с работой «Мужчина и женщина», «Сиеста» входит в серию картин, в которых Боннар выступает как поэт интимности и закрытых интерьеров. Его первые ню наиболее эротичны, он, без сомнения, находился под влиянием произведений Поля Верлена, изданных в сборнике «Параллельно» в 1889 году, иллюстрации к которым выполнил Боннар. В «Сиесте» утомленная женщина лежит поверх смятых простыней, лицо ее скрыто от зрителей (поза модели напоминает античную скульптуру спящего Гермафродита). Атмосфера сцены намекает на незримое присутствие мужчины. Эта картина дышит чувственной негой и счастьем молодой любви. «Домашние» детали (собака у постели, чашки на маленьком столике) создают ощущение уютной и самодостаточной жизни вдвоем. Боннар, который больше всего ценит естественность, старается запечатлеть мимолетные движения и позы.
В глазах художника его спутница жизни Марта являлась олицетворением всех женщин. Марта многолика: то она хозяйка дома, то желанная любовница, а в картинах следующих десятилетий — главная модель, которую он пишет за туалетом или в ванной.

Групповые портреты на открытом воздухе не типичны для Боннара. Представленная работа является скорее исключением. Художник изобразил дом своей матери и сад, в котором собрались сестра автора Андре, ее муж — композитор Клод Террасе, их дети и близкие семье люди. Здесь еще нет тех ярких, мерцающих цветов, что характерны для более позднего периода творчества Боннара. Светлая колористическая гамма напоминает гамму импрессионистов, но решение работы иное. Если, к примеру, Моне размещал фигуры в пространстве свободно, то у Боннара персонажи теснятся, буквально прижатые друг к другу. Любопытный факт: живописцу «не хватило» детей сестры, и для заполнения места на картине он придумал несколько дополнительных фигурок.
Характерно, что наряду с правдивыми жизненными позами и движениями (фигура уходящей в дом матери и Иветты Террасе с няней) даны и явно статичные персонажи (Жан Террасе, сидящий на диване, Роббер Террасе на втором плане, около водоема, и даже лежащая кошка справа на первом плане). Сочетается здесь также фрагментарность композиции (с обеих сторон фигуры даны не полностью) со строгим построением, подчеркиванием центра. Эту семейную сцену Боннар пишет с удовольствием и легкой иронией. Почти гротескно даны фигуры архивариуса из Изера и его жены (крестные отец и мать маленького Шарля, чета Прюдон), располневших от спокойной провинциальной жизни. Архивариус находится справа, а его супруга — в центре по лотна. Спокойная семейная жизнь, дети, кошки и собаки, небольшой садик — все это запечатлено Боннаром с большой любовью.

Бульвар Клиши и угол улицы Дуэ
Около 1904 г.
Тема парижской улицы, утвердившаяся в живописи благодаря импрессионистам, не обошла стороной и творчество Боннара. Он неоднократно запечатлевал район Клиши, центр ночной парижской жизни (здесь находится кабаре «Мулен Руж», в разное жили Ван Гог, Пикассо, Тулуз-Лотрек), с 1893 по 1912 год. В этих местах, точнее на улице Дуэ, художник снимал мастерскую. Повторяя мотивы своих литографий, он изображал улицы и площади Парижа в разное время дня, в разную погоду и с разных точек. Работа «Бульвар Клиши и угол улицы Дуэ» исполнена Боннаром в мастерской, из окна которой он видел залитые солнцем дома, их крыши, наблюдал за неспешно гуляющими горожанами и проезжающими экипажами. Работая над городскими пейзажами, Боннар постепенно освобождался от характерных для стиля модерн изломанных, извилистых линий.

Две элегантные женщины. Площадь Клиши
1905
Клиши — оживленная площадь на западном склоне холма Монмартр, всегда полная людей. Это идеальное место для зарисовок, в которых Боннар «схватывает» суетливую жизнь парижских обывателей. Две молодые девушки движутся через толпу. Они — всего лишь прохожие, которые, случайно встретившись на улице, вряд ли когда-нибудь увидятся снова. Зритель словно следует за дамой в голубоватом платье; спешащая навстречу ей женщина в шляпке с цветами занята своими мыслями, она инстинктивно прижимает к себе муфту и придерживает подол платья. Фрагментарность и необычность композиции, увеличенные фигуры, которые даже не полностью входят в картину, желание передать мимолетность повседневности, достаточно ограниченная колористическая гамма с преобладанием темных цветов — характерная особенность работ Боннара 1900-х годов.

Портрет Мизии Годебской Натансон-Эдвардс-Серт
1908
Пианистка Мизия Серт была одной из самых известных французских красавиц 1910−1920-х годов. Вместе со вторым супругом (всего их было три, ее романы и разводы обсуждал весь Париж) Мизия покровительствовала многим художникам, ссужала немалые суммы Сергею Дягилеву, дружила с Коко Шанель (великий модельер даже организовала похороны Мизии). Французский дипломат, писатель Поль Моран называл ее «пожирательницей гениев». Деньги и огромное количество знакомств не спасли пианистку от смерти в одиночестве. Мизия приятельствовала с Мартой Боннар, которая, кстати, не была принята в свете. На салонном портрете 1908» года Боннар изобразил Мизию как олицетворение стиля belle epoque («прекрасная эпоха» — период, условно обозначающий 1880−1914 годы), в пышном роскошном туалете, в будуаре, убранном в соответствии с модой времени.

Интерес к свету и богатым возможностям цветовой гаммы, характерный для импрессионистов, побуждает Боннара обратиться к фигурным композициям на пленэре. «Деревенские удовольствия» — вторая картина (вслед за групповым портретом семейства Террасе), которую художник пишет на открытом воздухе. В более поздних его ландшафтных композициях человек обычно предстает в полном единстве с природой. На этой же картине люди вполне находятся в гармонии с природой, но не сливаются с ней. Жаркий, знойный день, Клод Террасе поливает молодой саженец в саду, в тени большого дерева расположилась Марта. В цветовой гамме нет ничего кричащего, она лирична и камерна. Жизнь привлекает Боннара своей поэтичностью, и в этом полотне он не искажает действительность, оставляя ее узнаваемой. «Я стал пейзажистом не потому, что пишу пейзажи, на самом деле я не так часто занимаюсь этим, — писал однажды Боннар Матиссу. — Просто природа помогает мне избавиться от всего, что отравляет меня».

Картины на мифологические сюжеты у Боннара встречаются редко. Разглядывая эту работу, сложно сразу понять, что перед нами — три грации, богини-спутницы Венеры. На картине над ними парит павлин — символ бессмертия. Боннар увлекался фотографией и активно использовал ее как подготовительный материал для своих произведений. В огромном фотоархиве художника можно обнаружить снимки моделей в позах, в которых стоят грации на этом полотне.

Автор создал собирательный женский образ и с небольшими вариациями повторил его в фигурах трех кокетливых девушек, которые почти не пытаются прикрыть свою наготу. Пышущие здоровьем юные создания нахо дятся в цветущем саду, и кажется, что молодые богини — часть окружающей природы. Почти все детали картины закругляются, закручиваются, подчиняются одному круговому движению.
Так, жемчужно-серые тона тел девушек перекликаются с цветом гор и облаков на горизонте, а круглые клумбы и вазы на каменных постаментах при входе в сад повторяют их формы.
ЦИТАТА
Художник говорил: «Мои картины — это сплошные пятна, которые соединяются друг с другом, чтобы в итоге создать предмет»
Благодаря интересу к освещению и меняющемуся из-за него цвету Боннар начал писать более яркие и живые полотна. В целом 1908 год можно считать переломным для его творчества. Новый характер освещения на картинах все больше приближал художника к импрессионистам. В большинстве картин 1908 года Боннар пытается изучить силу света, изображая модель в разных позах и ситуациях. Женщина, занятая туалетом, становится одной из главных тем его творчества. И тут явно ощущается влияние Эдгара Дега, который любил говорить: «Женщина — это умывающаяся кошка». В картине «Обнаженная против света» лучи, проникающие через окно, освещают все: занавески, обои, диван… Свет окутывает фигуру Марты, стоящую лицом к нему и подобную древнему изваянию, цвета становятся живыми, трепещущими, а атмосфера — мягкой. Поражает контраст между статичным телом и легкими, почти импрессионистскими мазками, которые соединяют остальные элементы. Такие детали, как брошенная на пол одежда, черные туфельки, флакон духов в руках модели, не рассказывают какую-то историю, они просто откинуты, как лишнее, — ведь теперь Марта облачена в солнце. Над туалетным столиком висит зеркало, в котором отражается тело модели и стул.
Эта «картина в картине» дает художнику дополнительную возможность увеличить пространство и рассеять свет.

В качестве натурщицы Боннар всегда видел только свою супругу Марту. И не важно, сколько лет могло пройти, — на его картинах она оставалась вечно молодой. Впрочем, художник изображал тело модели размыто: никакого реализма, главное — атмосфера. Раймон Эсшолье писал: «У Боннара нет и следа вольнодумства, только свежий запах обнаженной женщины в серебристом свете утра».

В картине «Туалетный столик» Боннар использует необычную композицию: расширяет поле зрения с помощью зеркала. Он соединяет несколько жанров: натюрморт, интерьер и обнаженная натура оказываются гармонично слитыми в пределах одного полотна. Колорит красноречиво свидетельствует о времени суток — это утро: основная цветовая гамма — сочетание серебристо-белых и серо-голубых тонов, выступающих в то более ярких, то в более мягких сочетаниях. Белый фаянс оживлен игрой голубых рефлексов, а розоватое тело женщины написано обобщенно, но, тем не менее, тонко промоделировано голубыми тенями.

Замкнутый мир интимной повседневной жизни у Боннара — источник счастья и покоя.
Друг и коллега художника по группе «Наби» Морис Дени так говорил о нем: «Боннар обладает силами феи, превращающей желтую тыкву в карету. Как и она, он превращает банальный столик в ослепительную симфонию, а расписанный масляными красками умывальник становится под его кистью декорацией к „Сказкам тысячи и одной ночи“».

На своих портретных работах Пьер Боннар чаще всего изображал родных или друзей. Художник не ставил перед собой задачу написать психологический портрет, обычно он создавал красочное воспоминание о близости или дружбе. Боннар избегал статичности в портретах, поэтому они могут удивить композиционным решением. Например, на полотне «В ложе» один из братьев Бернхейм (им принадлежала фирма по торговле картинами «Бернхейм-Жён») запечатлен таким образом, что его голова оказывается за пределами холста. Для Боннара, впитавшего в себя идеи «Наби», декоративность всегда стояла выше портретного сходства. Художник очень любил включать в портрет говорящие детали. Так, элегантные туалеты дам (жен братьев Бернхейм) с этой работы свидетельствуют о высоком положении женщин в обществе и материальном достатке.
Интересно, что в тех случаях, когда Боннар не был хорошо знаком с моделью, он предпочитал писать ее в домашней обстановке, подсказывавшей автору некоторые привычки и черты характера портретируе мого. Когда немецкий художник Карл Херманн попросил Боннара написать портрет фрау Херманн, тот ответил, что у него нет возможности отправиться для этого в Берлин.

Пейзаж с дождем
1909
Картина представляет окрестности Вернуйе, городка на Сене, находящегося сравнительно недалеко от Парижа. Немалой известностью пользуется местный интересный памятник романской архитектуры — церковь XIII века. Но Боннар, останавливавшийся там в 1907 и 1909 годах, проходит мимо достопримечательностей. Его привлекали ландшафты окрестностей Вернуйе, которые в основном связаны с весной и переменчивой весенней погодой. «Пейзаж с дождем» изображает ненастный день — из темных туч падают крупные ливневые капли, — но сама картина не оставляет впечатления уныния или грусти, цветовая палитра художника почти не замечает капризов погоды.
Путешествия по Франции
В 1912 году Боннар купил дом в Верноне, неподалеку от жилища художника Клода Моне, который работал там над своей знаменитой серией «Кувшинки».

Боннар прославился большой серией изображений интерьеров (в основном столовых) в доме с балконным окном, выходящим в сад. Для таких полотен характерен некий диалог между внутренним пространством комнаты и внешним миром: зритель как бы переводит взгляд с человеческой фигуры и предметов, стоящих на столе, на дверь и открывающийся за нею летний пейзаж. Художника волновала именно гармония оттенков южного неба, цвета скатерти на столе и стен («Столовая в загородном доме», «Интерьер с женщиной в плетеном кресле»).

В ландшафтных композициях Боннар придумал добавлять барьеры в виде столов или парапета, чтобы они создавали оптический эффект, благодаря которому зритель чувствовал свою удаленность от изображаемого события («Пальма»). Столы, как и у Анри Матисса, являются часто повторяющимся мотивом, а изображенные на них предметы становятся натюрмортами («Серая гончая и натюрморт»). Много внимания Боннар уделяет написанию цветов в вазе. Художник видел красоту в самых обыденных вещах, заставляя и зрителей по-новому взглянуть на них.
В 1910-е Боннар работал над крупными заказами, оформлял интерьеры (триптих «У Средиземного моря» и полотно «Ранней весной в деревне» для особняка Ивана Абрамовича Морозова в Москве). Смело обобщая формы, он уподобляет панно красочным гобеленам.

В 1920-е годы Боннар много путешествовал по Франции, особенно ему приглянулся Аркашон, на юге страны, своей яркой природой и близостью к морю («Девушки с чайкой»). Не забывал мастер и друзей: он регулярно наведывался к коллеге по художественному цеху Полю Синьяку в Сен-Тропе («Синьяк и его друзья на яхте»), писал портреты («Портрет Амбруаза Воллара с кошкой»).

Для Боннара его жена, уютная, домашняя Марта, которая не любила компании и вела затворнический образ жизни, всегда была источником бесконечного вдохновения. Однако у нее были свои секреты: она приуменьшила своей возраст при знакомстве с Пьером (ей тогда было двадцать четыре, а не шестнадцать), а также «забыла» упомянуть, что ее настоящее имя не Марта де Мелиньи, а Мария Бурсэн.

По причинам, до сих пор неизвестным, Марта порвала контакты с семьей до переезда в Париж, так что никто не мог опровергнуть ее слова. Художник даже не знал, что его возлюбленная звалась Марией, пока они не сочетались браком. Интересно, что эта женщина, часто появлявшаяся на картинах, гравюрах и фотографиях Боннара, умела оставаться неуловимой, неузнаваемой.

Это полотно — одно из немногих, где лицо Марты прописано достаточно хорошо и индивидуально, к тому же освещено мягким осенним солнцем. Стоя на фоне яркого пейзажа, она держит корзинку с кистями спелого винограда.

Марта выступает здесь олицетворением плодородия и изобилия.

В 1911 году известный московский коллекционер Иван Абрамович Морозов заказал Боннару серию панно для парадной лестницы своего московского особняка на Пречистенке, 21 (теперь здесь располагается Российская академия художеств). Триптих занимал торцевую стену лестницы и разделялся белыми полуколоннами на три части. Художник должен был считаться с архитектурой вестибюля: с тем, что роспись будет восприниматься постепенно по мере того, как зритель поднимается по лестнице, и только потом, с площадки второго этажа, можно будет увидеть произведение полностью. Все три части панно подчинены единому пространственному решению и соединены песчаными дорожками, переходящими с одной части картины на другие.

Перед зрителем раскрывается сверкающий средиземноморский пейзаж, видимый словно сквозь античный портик.
Композиция построена по классической схеме — с тремя планами. Горячим ослепляющим солнцем залито пространство перед виллой. Со всех сторон оно окружено деревьями и лишь в глубине, в просвете между ними, виднеется лазурное море. В тени деревьев, скрываясь от зноя, девочка в белом платье играет с котенком. На правой стороне триптиха изображена женщина, разговаривающая с попугаем, в центральной части произведения двое малышей копошатся на песке. Но фигуры не отвлекают внимания зрителя от главного — роскошной и яркой южной природы. Большую часть композиции занимают громадные стволы и кроны деревьев, их буйная растительность светло-зеленых, желтых и серебристых тонов задает колорит триптиха. Боннар использует десятки оттенков зеленого и желтого, лилового и розового, коричневого и голубого, но умело избегает пестроты. Мелкие раздельные мазки создают впечатление вибрации света.
ЦИТАТА
Жак Дорель в журнале «Эхо Парижа» писал о Боннаре: «Его декоративные панно демонстрируют огромную фантазию в соединении мотивов и цветов. Живопись, говорит Пьер Боннар, кажется, должна быть прежде всего декоративной»
Получив заказ от Ивана Абрамовича Морозова на два дополнительных панно к триптиху «У Средиземного моря» (см. ранее), Пьер Боннар создал произведения, гармонирующие с ранее написанным и одновременно контрастирующие с ним.

Панно «Ранней весной в деревне» украшало левую сторону лестницы морозовского особняка, ему отводилась не главная, а вспомогательная роль. Боннар решил исполнить «добавочные» полотна в ином духе. Он воспользовался принципом старинных шпалер — увел линию горизонта за верхний срез, как бы опрокинул плоскость земли на зрителя, почти делая ее плоскостью картины. Известно, что на мысль создать изображение с садом, в котором отдыхают жители деревни или небольшого города, его натолкнул коллега Эдуар Вюйар, значительно раньше обратившийся к этому сюжету. Полотно «Ранней весной в деревне» исполнено в несколько наивном, лубочном стиле. Здесь царит северный свет, а сама пространственная среда кажется намеренно неорганизованной. Тема природы в творчестве Боннара неотделима от мотива дружной семьи: центральная часть отдана неугомонным, играющим детям.
Ближе к воде уже мир взрослых — за деревом спряталась пара любовников. Женщина, срывающая цветок, и мечтательница, лежащая на траве в белом платье, — все это любимая жена Марта. А в пруду плавают лебеди, размер одного из них намеренно преувеличен — он первым привлекал внимание поднимающихся по лестнице гостей дома на Пречистенке.

Примерно с 1909 года в творчестве Боннара начинают встречаться интерьеры с большими окнами и дверями, сквозь которые проходит свет, озаряющий комнату. Однажды найденный мотив будет источником вдохновения для многих художественных экспериментов мастера до конца его жизни. Антуан Террасе как-то сказал: «Сады Вернона, которые видны с террасы или через окна, становятся страной из снов. Это декорации, которые понемногу оживают перед нашими глазами, как на полотнах Ватто». Исследователи даже условно выделяют подобные произведения в категорию «Окна Боннара».

В картине «Столовая в загородном доме», написанной в Верноне, художник как можно полнее старается разомкнуть пространство помещения благодаря открытым дверям и окну, за которым снаружи, на фоне пейзажа, стоит Марта, облокотившаяся на подоконник.
Очень выразителен контраст между изменчивостью природы и статичной конструкцией интерьера помещения. Внутри дома прямые вертикальные и горизонтальные линии образуют жесткий каркас. Картина удивительно красочная, написана быстрыми объемными мазками. Она, кажется, вибрирует, передавая плавное струение воздуха. Боннар очень любил животных, кошки и собаки часто появлялись на его полотнах, однако иногда найти их в композиции довольно непросто. Например, на этой картине изображены две кошки, и если белая обнаруживается сразу на оранжевом шезлонге, то вторая, пятнистая, вытягивает голову из-за стола в левой части работы.

Девушки с чайкой
1920-е гг.
Аркашон — курортный город на берегу одноименного залива в Аквитании, где Боннар наслаждался солнцем, океанским бризом, расслабленной пляжной жизнью, но не забывал делать эскизы для будущих картин. Впервые попав в Аркашон в 1920 году, художник будет часто посещать его вплоть до 1933 года. Картина «Девушки с чайкой» (как и «Разговор в Аркашоне», «Пляж в Аркашоне») — гимн прекрасной жизни в Южной Франции.

Боннар по-настоящему наслаждается красками юга. Художника привлекает возможность использовать ляпис-лазурь при написании синей шапочки молодой девушки, делая перекличку с оттенками моря и неба, обыграть эту краску на контрасте с насыщенным красным цветом широкополой шляпы ее спутницы.

Композиция выстроена таким образом, что зритель как будто присутствует при разговоре двух отдыхающих девушек, он становится третьим, если не считать прилетевшей нахальной чайки.

Интерьер с женщиной в плетеном кресле
1920
На первом плане холста «Интерьер с женщиной в плетеном кресле» — Марта. Позади нее стеклянная дверь, через которую виднеется что-то отдаленно напоминающее пейзаж. Накрытый скатертью стол со стулом, хотя и находящийся в центре полотна, не имеет большого значения, выступая как фон. Для того чтобы тот или иной предмет появился на картине Боннара, он должен был привлечь внимание художника, каким-то образом оставить след в его памяти. Но внимание зрителя не задерживается на внутреннем убранстве комнаты и невольно возвращается к первому плану — к грустному лицу больной, упавшей духом женщины. (Жена художника страдала от психического расстройства.) Марта стала значительной темой художественного мира Боннара, и, хотя жила рядом с супругом долгие годы, на его картинах остается вечно юной, такой, какой он когда-то ее увидел и полюбил.

Серая гончая и натюрморт
Около 1920–1925 гг.
На создание картины «Серая гончая и натюрморт» Боннара вдохновили работы прославленного живописца XVIII века Жана Батиста Симеона Шардена. И хотя в произведении нет прямого цитирования Шардена, исследователи сходятся во мнении, что упорядоченная расстановка ваз с фруктами на столе, покрытом белоснежной скатертью, изысканная гармония матовых, как бы вибрирующих красок преимущественно близких друг к другу переходных оттенков напоминает Шардена и некоторых голландских мастеров XVII века. «Добавленную» в натюрморт гончую художник писал с натуры, сделав сначала множество этюдов. Изображение собаки выдает руку талантливого анималиста, знающего психологию животных, — этим Боннар отличался от Моне, Ренуара, Писсарро и даже от Дега. Собак в доме Боннаров было много, жена художника Марта также испытывала к ним большую привязанность.

Букет полевых цветов
1922
Увлеченность колористическими изысканиями способствовала тому, что Боннар все чаще стал изображать цветы и натюрморты. И, несмотря на особенности манеры письма мастера, большинство растений безошибочно узнаваемы. В картине «Букет полевых цветов» очень выделяются случайно расположенные яркие маки, а зелень, фиолетовые и желтые соцветия перекликаются с интенсивным цветом обоев комнаты. Боннар был очень привязан к вещам. Кувшин, украшенный вишенками, который мы видим на картине, художник выиграл на народной ярмарке и неоднократно писал его на многих своих полотнах («Красные маки», 1926; «Кувшин с цветами», 1935). Он не расстался с этим кувшином, даже когда у того сломалась ручка. Возвращение Боннара к одним и тем же предметам, лицам, мотивам было для него очень характерно.

Близкий друг почти всех французских художников конца XIX — первой половины XX века Амбруаз Воллар был известным арт-дилером, коллекционером, а также занимался издательскими проектами. Его внешность и манеры часто описывали беспощадными словами: «крупный, резкий, грубый человек» с «потупленным взглядом». Он был хорошим бизнесменом, нажившим свое состояние благодаря девизу «Покупай дешево — продавай дорого». Среди его клиентов значились Гертруда Стайн и ее брат Лео, Альберт Барнс, русские коллекционеры Сергей Иванович Щукин и Иван Абрамович Морозов.

Воллар заказывал Боннару оформление книг: иллюстрации к «Дафнису и Хлое» Лонга, «Разговорам» и «Параллельно» Поля Верлена. Дилер был весьма интересен ведущим французским живописцам. Пикассо даже шутил, что ни одну красавицу XX века не писали так часто, как Амбруаза Воллара.
Пьер Боннар создал несколько портретов коллекционера: первый был исполнен в 1906 году, а представленная здесь картина датируется 1924 годом. Художник запечатлел модель в «родном» интерьере — в окружении дорогих Воллару произведений искусства. Автор «посадил» на колени арт-дилеру кошку, которая во время сеансов то и дело норовила убежать. Работа была жизнью Воллара, а вот семью он так и не создал. Постоянно рядом с ним находились только картины и кошка — именно поэтому на половине портретов хозяина любимая питомица увековечена вместе с ним.
ФАКТ
Художник верил, что «очень немногие из тех, кому даровано зрение, могут видеть по-настоящему». Один из тех, кому это удавалось, — Анри Матисс. Художников связывала не только многолетняя дружба, но и схожая манера изображения интерьеров, построения композиции и тонкое владение цветом
Розовая обнаженная в ванной
Около 1924 г.
По легенде, Боннар так познакомился с Мартой, своей неизменной моделью: он увидел молодую женщину, выходящую из трамвая в Париже, проследил за ней до места ее работы (она пришивала искусственный жемчуг на похоронные венки) и убедил ее уехать жить с ним. Они были вместе до ее смерти в 1942 году, хотя поженились только в 1925-м. Во многом такое количество «обнаженных» в творчестве Боннара объясняется тем что, Марта была одержима мытьем, — в этом исследователи усматривают один из симптомов ее душевной болезни.

На создание этой работы Боннара вдохновило путешествие в Сен-Тропе, маленький городок на Французской Ривьере, куда его позвал друг и коллега Поль Синьяк. Синьяк первым поселился здесь еще в 1892 году, а чуть позже приобрел в Сен-Тропе большой дом-мастерскую у подножия крепости и в этот дом приглашал друзей (среди них Матисс, Дерен, Марке, Вламник). Синьяк любил море и часто выходил плавать на своей яхте «Олимпия». Одну из таких совместных прогулок и запечатлел Боннар.

Центральная фигура в белой панаме — вероятно, Поль Синьяк, остальные персонажи лишены индивидуальности — возможно, слева сидит Боннар, а женщина справа — это Марта. Но для художника, который придумывал «дополнительных» людей для своих картин, это было неважно. Гораздо интереснее сопоставить тяжелые, чуть вспенившиеся морские волны и легкую, по сравнению с ними, юркую яхту, идущую с попутным ветром под белым парусом.

Боннар в своих работах не стремился передавать специфические особенности той или иной местности. Порой он начинал писать какой-либо вид в одном месте, а заканчивал в другом. В пейзаже «Пальма» погрудное изображение женщины, держащей плод, находится на переднем плане картины (фигура срезана так, будто модель уже выходит к зрителям), зеленые заросли рядом с ней и нависающие сверху, с обеих сторон ветки пальмы образуют своеобразную раму или кулисы, сквозь которые открывается вид на залитый солнцем южный город с улочками и домами на них. Фон — голубые дали с едва намечающимися очертаниями. Планы в «Пальме» показаны очень резко, отсутствуют постепенные переходы, художник делает их простирающимися до бесконечности. Мы не можем сказать, где точно завершается водная гладь и где она переходит в небесную сферу.
И переходит ли? Эта тенденция уничтожения преграды для взгляда зрителя является новой в творчестве Боннара.
ФАКТ
Однажды американский художник Гарри Лечмен пригласил Боннара поехать с ним в Италию и был очень удивлен, когда увидел, что тот не взял с собой мольберта и кистей. Боннар объяснил это так: «Я приехал наблюдать»
Уединенная жизнь в Ле-Канне
Пейзажи, интерьеры, натюрморты занимают главное место в творчестве Боннара в последние два десятилетия его жизни. Связано это не только с художественными поисками в области формы, но и с переездом в небольшой городок Ле-Канне, в котором художник приобрел виллу «Ле-Боске».

Работы Боннара становятся все более упорядоченными, преобладает стремление к симметрии, к подчинению композиции определенному ритму. Нет изломанных линий, нет прежней скученности предметов, цвета стали ярче, палитра теряет разнообразие оттенков — мастер использует лишь чистые цвета.

Художник становится смелее, он не боится новаторских композиционных решений в картине (натюрморт «Угол стола»), но часто возвращается и к ранним произведениям, к своим излюбленным темам: продолжает писать «обнаженных» за туалетом («Обнаженная натурщица в ванне»), однако датировки картин на эту тему довольно условны.
Боннар, несомненно, под влиянием южного солнца, делает свои работы все более светлыми, превращая обычные сцены в фантастические, нереальные картины. Под конец жизни, несмотря на угнетенное состояние, художник создает полотна со все более теплым колоритом.

Предметы растворяются в свете, теряют вес и плотность. В манере изображения стен и пола Боннар подходит близко к абстракции («Мастерская с мимозой»). Однако это не совсем верно для его сумрачных автопортретов, будто окутанных дымкой, на которых не слишком хорошо различимо лицо художника.

Пьер Боннар относился к натурам, вечно неудовлетворенным собой, к вечно ищущим натурам. Вовремя осознав недолговечность искусства «Наби», он пересмотрел идеалы юности, но открыл для себя новые горизонты, обратившись к тому ценному и непреходящему, что было у импрессионистов. Не подражая им, Боннар, тем не менее, многое у них перенял.

Последние месяцы жизни живописца ознаменовались прощальной вспышкой вдохновения — он вновь начал писать, причем с ошеломляющей, молодой энергией.
«Только сейчас я стал прозревать и готов начать все сначала», — говорил Боннар перед смертью, которая настигла его в январе 1947 года.

Автопортрет
1930
Боннар почти не рассказывал о своей жизни, но его автопортреты говорят за него сами. Племянник Шарль Террасе напишет: «Обратите внимание, что художник, который изображает только счастье, не такой уж радостный человек, как можно себе представить». Портрет, что был создан в 1930 году, единственный, выполненный гуашью и карандашом, изображает художника в возрасте шестидесяти трех лет. Запечатленный на нем человек скрытен и полон тревоги, о чем красноречиво говорят стиснутые кулаки и взгляд. Боннар не прописывает детали лица и одежды. В своем дневнике уставший, немолодой художник написал: «Тот, кто поет, — не всегда счастлив» — и эти слова могут послужить иллюстрацией к данному автопортрету, выполненному многочисленными нервными штрихами.

Декоративность работ Боннара в 1930-е годы не имеет ничего общего с тем, что можно было наблюдать в начале творческого пути художника. Нет никаких изломанных линий, нет прежней скученности предметов, цвета стали ярче и выразительнее. Показателен натюрморт под названием «Угол стола». Смелое и необычное композиционное решение картины заставило многих исследователей вспомнить натюрморты Жоржа Брака. Выбрав точку зрения сверху, автор изобразил стол так, что он кажется наклоненным, но при этом предметы «не падают», ведь Боннар знал, как сделать композицию устойчивой. Белый цвет уравновешивается красным, предметы, стоящие на столе, — стулом. Любопытно, что красный цвет дается плотно, тяжело, в то время как белый — легкий, прозрачный с различными рефлексами. Вместе с тем рядом с красным тоном поразительно начинает звучать золотой цвет фруктов. Этот натюрморт Боннара по интенсивности звучания красок можно сравнить с натюрмортами Анри Матисса, с которым он был, кстати, очень дружен и состоял в многолетней переписке.

«Обнаженная натурщица в ванне» 1937 года считается одним из шедевров Боннара. Марта, лежащая в ванне, изображена сверху. Кажется, что ее тело растворяется в воде из мерцающих красок. Комнату заливает свет, и простые керамические плитки загораются пурпурными, красными, синими и золотистыми тонами. Маленькая собачка уютно устроилась на коврике на полу рядом с ванной. Предмет, форма теряют свое первостепенное значение. Ванна у Боннара подобна драгоценному сосуду, а тело Марты как будто принадлежит не женщине, а некой водной нимфе.

Супруга художника умерла в 1942 году, и последние годы их с Пьером совместной жизни были невыносимо тяжелыми. С ней все чаще случались припадки ревности, она не отпускала мужа даже на встречи с друзьями. Женщина проводила в ванне по нескольку часов каждый день.
Некоторые исследователи связывают эту странность с тем, что Марта считала принятие ванны средством, способным излечить ее от туберкулеза гортани. Эта болезнь на протяжении долгих лет подтачивала ее силы и в конце концов свела в могилу.

На картине «Терраса в Верноне» Боннар изобразил свой загородный дом близ Вернона на Сене. Дом имел большую, любимую художником террасу, с которой открывался вид на луга и реку.

Сюжет «Террасы» достаточно прост, но Боннар с удовольствием пишет сцены семейных обедов или подготовку к ним. Две женщины суетятся вокруг накрытого белой скатертью стола и ставят корзины с фруктами, с правой стороны — девочка с теннисной ракеткой. (Интересно, что ее поза заимствована с рельефа в Лувре, на котором легионер убивает галла.)

Здесь Боннар возвращается к декоративным приемам периода «Наби», приспосабливая их к своему последующему увлечению светом.
Герои сливаются с пейзажем, они — часть декоративного панно, в котором цветовые отношения могут быть совершенно неожиданными: дерево на первом плане становится фиолетовым, терраса — огненно-оранжевая, а в пейзаже господствуют сиренево-фиолетовые тона. На картине «Терраса в Верноне» освещение резкое и выразительное, его оранжевые и красные оттенки воплощают жаркий климат юга Франции.

Есть предположение, что это произведение художник начал в Верноне, а заканчивал уже в Ле-Канне.

Под конец жизни, несмотря на подавленное состояние, Боннар создает полотна со все более теплым колоритом, будто пытаясь справиться с душевным смятением. Художник чаще использует эффекты освещения. Вероятно, сказалось пребывание на юге, работы тех лет кажутся более свободными и живыми, а пейзажи являются неисчерпаемым источником вдохновения.

Картина «Мастерская с мимозой» предлагает зрителю выглянуть из окна мастерской художника и буквально вдохнуть аромат цветущих деревьев и кустарников, растущих в саду около дома. Племянник Боннара так описывает мастерскую дяди: «Мастерская на этаже маленькая. Там стоит табурет, стул, узкий диванчик. Свет проникает через огромное окно и играет на белой стене, где висят картины».

На холсте пейзаж буквально врывается в помещение, заливая его светом, исходящим от залитого солнцем огромного кустарника мимозы с ярко-желтыми цветами. Внизу слева виден «призрак» Марты, которой ко времени окончания работы уже четыре года как не было в живых.

В этой поздней работе видно, что автор отходит от импрессионизма, насыщенный цвет и линия начинают роднить его с экспрессионистами. Тема обнаженного тела изменяется, уходят в историю спокойствие и созерцательность ранних произведений мастера.

Повседневная сцена теперь превращается в фантастическую и нереальную картину. Предметы растворяются в свете, теряют вес и плотность. Это полотно Боннара даже отсылает к некоторым работам Пикассо, женщины на которых необычайно монументальны. Пропорции натурщицы кажутся чрезвычайно крупными из-за своеобразного формата картины и особой, фрагментарной композиции. Монументальность возникает также из-за полноты форм и почти скульптурной трактовки человеческого тела. Модель своей позой напоминает древнее изваяние, а цвет ее кожи — обожженную глину.
Контур становится четче, а цветовое пятно — определеннее. В этом произведении очевидна и стилистическая эволюция художника, которому под конец жизни становятся интересны технические эксперименты. Светлое сияние картина получает благодаря сопоставлению жемчужного фона и белого пятна в правой части полотна, между плечом и бедром модели. По мнению самого художника, «соседство белого придает сияние цветовым пятнам».

Боннар мог превосходно уловить и изобразить мимолетный жест, неосознанную позу или ракурс из будничной жизни.

В картине «Рисующая молодая девушка» он пишет юную художницу, увлеченно работающую над картиной и, кажется, совершенно не обращающую внимания на зрителей. На ее губах легкая мечтательная улыбка, в каштановых волосах играют солнечные лучи, а ее тело будто соткано из множества разноцветных оттенков розового, голубого, желтого… Боннар редко писал с натуры, он делал только одному ему понятные наброски и зарисовки. Художник вообще нечасто использовал мольберт — он предпочитал прибивать холст к стене. А яркие обои его нисколько не смущали, Боннар умел добиваться гармонии и с ними. Иногда мастер работал в столовой, иногда в спальне и очень редко — в мастерской. Нередко он создавал несколько картин на одном холсте и, завершив их, разрезал холст.

Кстати, к своему творчеству Боннар относился более чем критически, считая его поверхностным. Современники рассказывали, что однажды художник пришел в музей, где висели его картины, и пока его друг отвлекал смотрителя, переписал некоторые непонравившиеся ему детали.

Миндальное дерево в цвету
1946–1947 гг.
«Миндальное дерево в цвету» — последнее произведение Боннара. Рассказывают, что художник в свою маленькую комнату с пустыми стенами, где лежал перед смертью, попросил принести именно эту картину. Она была вполне закончена, но автору не нравилось зеленое пятно слева (там, где стояла подпись), и он попросил племянника Шарля помочь ему перекрыть это место, положив золотистую желтую краску. Боннар хотел усилить светоносную силу своего последнего произведения, сделав его еще более радостным, в последний раз воспеть красоту природы, всю жизнь вдохновлявшую его. Несколько дней спустя, 23 января 1947 года, Боннар скончался.

Друзья, а давайте проверим насколько хорошо вы знаете творчество Пьера Боннара? Для этого вам нужно ответить на 16 вопросов. Поехали?
Начать тест
Укажите, кто автор этого произведения
Дальше
Проверить
Узнать результат
Укажите, кто автор этого произведения
Дальше
Проверить
Узнать результат
Укажите, кто автор этого произведения
Дальше
Проверить
Узнать результат
Укажите, кто автор этого произведения
Дальше
Проверить
Узнать результат
Укажите, кто автор этого произведения
Дальше
Проверить
Узнать результат
Укажите, кто автор этого произведения
Дальше
Проверить
Узнать результат
Укажите, кто автор этого произведения
Дальше
Проверить
Узнать результат
Укажите, кто автор этого произведения
Дальше
Проверить
Узнать результат
Укажите, кто автор этого произведения
Дальше
Проверить
Узнать результат
Укажите, кто автор этого произведения
Дальше
Проверить
Узнать результат
Укажите, кто автор этого произведения
Дальше
Проверить
Узнать результат
Укажите, кто автор этого произведения
Дальше
Проверить
Узнать результат
Укажите, кто автор этого произведения
Дальше
Проверить
Узнать результат
Укажите, кто автор этого произведения
Дальше
Проверить
Узнать результат
Укажите, кто автор этого произведения
Дальше
Проверить
Узнать результат
Укажите, кто автор этого произведения
Дальше
Проверить
Узнать результат
Ой…
Но не стоит расстраиваться! На нашем сайте вы можете посмотреть великое множество произведений искусства.
Пройти еще раз
Неплохо!
Ошибок многовато, но очевидно, что вы искренне любите искусство.
Пройти еще раз
Хорошо!
Да, это была нелёгкая задача угадать названия произведений. Не все удалось «опознать», но больше половины правильных ответов – за вами.
Пройти еще раз
Блестяще!
Вы настоящий знаток творчества Боннара! Ваши память и внимательность – поразительны! Примите наши поздравления, таких результатов добиваются немногие!
Пройти еще раз

Над выпуском работали:
Автор текста: Л. Пуликова
Автор теста: М. Гордеева
Структура и дизайн: В. Андрюсева
Руководитель проекта «Арт-Портал»: В. Андрюсева
manager@directmedia.ru
www.directmedia.ru
Made on
Tilda